" Créer une oeuvre d'art et tomber amoureux, c'est la même chose : il faut donner toute sa sincérité, son honnêteté et sa passion. C'est un voyage dans une terre inconnue et mystérieuse. " Viet Ha Tran

Membre de la Société royale de photographie d'Espagne, Viet Ha Tran est une photographe d'art et une artiste pluridisciplinaire vietnamienne influencée par le romantisme et résidant actuellement à Madrid, en Espagne. 

Viet Ha a commencé sa carrière artistique en 2013 avec la photographie d'art, puis en 2018 avec des peintures abstraites. Elle est représentée par de nombreuses galeries dans le monde entier. Ses œuvres ont été présentées dans des ventes aux enchères publiques en Espagne aux côtés d'œuvres de Picasso, Salvador Dalí, Joan Miró, Banky et Andy Warhol. Ses photos ont été exposées sur la flotte des huit navires haut de gamme de la Holland America Line qui voyagent dans le monde entier, représentée par la galerie d'art Artlink basée à Tel Aviv, en Israël.

Viet Ha est particulièrement connue pour ses photographies de femmes et de paysages, denses en émotions et toujours fascinantes. Son art met l'accent sur la fantaisie et l'imagination comme source d'expérience esthétique. Au lieu de prendre des photos, elle essaie de peindre les émotions des femmes, leurs rêves intérieurs, leur intimité, leur poésie et leur philosophie avec son appareil photo. En conséquence, ses photos, qui n'ont pas l'air de peintures classiques, capturent un moment éphémère d'émotions féminines qui s'écoulent à travers la rivière du temps. Alors que la réalité joue à cache-cache avec la fantaisie, c'est un reflet de ces humeurs volatiles gravées dans l'état permanent de changement.

Ancienne directrice des admissions pour les programmes de master en finance de la prestigieuse université IE (Madrid, Espagne) entre 2009 et 2020, Viet Ha a également travaillé comme responsable des expositions à l'IE et membre du jury des prix de la Fondation IE pour les sciences humaines de l'université IE entre 2016 et 2020. Elle a donné des conférences sur l'art et le marché de l'art lors de diverses conférences en Espagne, notamment à l'Université IE et à l'Agence du marché de l'art. En 2020, elle a quitté le monde de l'entreprise pour entamer une carrière d'artiste à plein temps

Récemment chargée par Louis Vuitton Paris de réaliser une grande peinture pour l'inauguration d'un magasin international, Viet Ha transmet un esprit oriental très particulier dans ses peintures abstraites. L'artiste décrit ses peintures abstraites à l'acrylique comme une "explosion d'émotions douces". Combinant son âme asiatique et son éducation artistique dans la capitale espagnole, les peintures spontanées de Viet Ha sont passionnées et vives en couleurs, mais il s'en dégage un fort sentiment de paix et d'apaisement profond du cœur.

Ses photos et sa créativité ne consistent pas seulement à capturer l'instant, mais aussi à créer l'imaginaire et, plus encore, à peindre et à immortaliser la beau. 

Elle apprécie profondément le pouvoir de la photographie pour capturer visuellement les sentiments et immortaliser des moments précieux dans le temps, nous offrant des oeuvres denses en émotions et fascinantes à l'infini.

Un travail qui m'apporte des émotions profondes. 

Pour en voir plus sur l'artiste son site : 

https://www.viethatran.com/about/

Métropole

George Grosz, né Georg Ehrenfried Groß le 26 juillet 1893 à Berlin et mort dans la même ville le 6 juillet 1959, est un peintre et caricaturiste allemand, qui fut un membre important du mouvement Dada ainsi que de l'aile gauche du mouvement de la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité), avec Otto Dix et Max Beckmann.

Explosion

Il sert dans l'armée en 1914-1915, puis brièvement en 1917, mais passe le reste de la guerre à Berlin. Après avoir observé les horreurs de la guerre en tant que soldat pendant la Première Guerre mondiale, Grosz a axé son art sur la critique sociale. Il s'est profondément impliqué dans les activités pacifistes de gauche, publiant des dessins dans de nombreux périodiques satiriques et critiques et participant à des manifestations et à des bouleversements sociaux. Ses dessins et ses peintures de l'époque de Weimar critiquent vivement ce que Grosz considère comme la décadence de la société allemande. Première exposition personnelle à la Galerie Hans Goltz, Neue Kunst à Munich en 1920. Nombre de ses dessins sont publiés dans des albums (Gott mit uns, Ecce Homo, Der Spiesser-Spiegel, etc.) et il fait l'objet de poursuites pour insulte à l'armée et blasphème.

Cain ou Hitler

Peu avant la prise de pouvoir par Hitler, Grosz s'est installé aux États-Unis pour enseigner l'art et a ainsi évité les persécutions nazies lorsque son travail a été jugé "dégénéré". Par la suite, son style a changé radicalement en raison de sa perte de foi en l'humanité, passant de la propagande politique à des caricatures des habitants de New York et à des paysages romantiques. Les expériences traumatisantes qui ont poussé George Grosz à se mobiliser contre la guerre, la corruption et ce qu'il considérait comme une société immorale ont créé un héritage artistique particulièrement émouvant et indélébile. Symbole de la révolution en Allemagne, son art a contribué à sensibiliser le grand public à la réalité de l'oppression gouvernementale.

Metropolis

Son état psychologique n'a cessé d'empirer. Atteint d'une profonde dépression, il ne trouve de soulagement que dans l'alcool. Il retourne à Berlin en 1958, mais y meurt quelques mois plus tard d'une chute dans les escaliers.

L'enterrement

Pour en savoir plus sur l'artiste, cette vidéo podcast d'une émission de radio, le grand chlem. Dans l’émission, George Grosz nous raconte lui-même certains des épisodes de sa vie, à travers des archives de la radio allemande (Radio Bremen). Marty Grosz, son fils, guitariste et homme de scène aux Etats-Unis, éclaire certains épisodes, notamment sa vie américaine. Ana Fonell, comédienne et petite-nièce de George Grosz, partage depuis Berlin ses interprétations des textes de l’artiste. Deux dessinateurs, Willem (Charlie Hebdo, Libération…) et Muzo partagent leur intérêt pour Grosz, figure importante dans leur parcours. Catherine Wermester, historienne de l’art, spécialiste de Grosz, et Marc Dachy, historien du dadaïsme, donnent les repères.

https://www.youtube.com/watch?v=QCzA0z8fpL0

Peace II

Remerbering 

Piliers de la société

Remerbering 

suicide

La vie de Maud Lewis est fait de courage, de persévérance, d'abnégation. Maud Lewis, née Dowley le 7 mars 1903 en Nouvelle-Écosse, (Canada) est l'une des artistes folkloriques canadiennes les mieux connues dans le monde.

Maud nait avec des malformations congénitales, une forme d'arthrite rhumatoïde juvénile dégénérative lui occasionnant une vie de souffrance dont elle a appris à s'accommoder de façon exceptionnelle.  Evidemment la fillette avait une activité réduite. Elle ira à l'école jusqu'à l'âge de 14 ans. Sa maladie ne lui permettant pas de vivre une scolarité normale. Du fait de ses absences lors des crises douloureuses, sa scolarité s'est déroulée un peu plus longtemps que pour les autres enfants. 

Néanmoins, ses parents ont accompagné leur fille le mieux possible. Sa maman l'a incité à développer son intérêt pour les arts. Elle a appris à jouer du piano, mais surtout sa maman l'a initiée à l'aquarelle. Celle-ci créait des cartes et des décorations de Noël qu’elle vendait de porte à porte. Au début des année 1920, une amie de Maud, propriétaire d'un salon de beauté, commençait à vendre dans son salon des cartes et des plateaux peints par notre artiste.

Lorsqu'en 1935 puis en 1937 les parents de Maud décèdent, sa vie s'en trouve bouleversée. Elle vivra peu de temps auprès de son frère ainé, Charles avant de se retrouver auprès d'une tante maternelle. Mais elle ne restera pas longtemps chez la tante.  Elle découvre une annonce dans un magasin d'un vendeur itinérant de poissons, Everett Lewis, qui cherche une « ménagère (résidente ou non) » pour tenir sa petite maison de Marshalltown à quelques kilomètres de chez sa tante.  Everett a été placé très tôt dans un établissement pour enfants sans ressources. Il n'a jamais appris à lire, ni à écrire mais a du travailler durement dès son plus jeune âge.  Il est propriétaire de sa toute petite maison (4,11 mètres de façade par 3,66 mètres de profondeur et seulement 4,27 mètres de hauteur à son faîte) à pièce unique avec un grenier qui sert de chambre à coucher et s'absente souvent pour vendre son poisson porte à porte.  La seule réponse qu'il reçoit pour son annonce, est celle de Maud. La première rencontre entre cet homme rustre et la jeune femme est difficile mais elle insiste 

Ainsi Maud emménage chez Everett, tient son ménage tant bien que mal. Le couple se marie le 16 janvier 1938. Sa vie auprès d'Everett lui fait découvrir un monde de pauvreté qu’elle n’a jamais connu auparavant. Elle n'est pas en capacité dans son état de travailler pour contribuer aux finances du couple. Et très vite, elle ne peut plus non plus faire le ménage de la maison ; ses mains se crispent en des poings serrés, son dos et de son cou se bloquent rendant très difficile la montée les escaliers ou  de porter des objets lourds. 

Alors Maud se met à faire ce qu'elle sait le mieux faire : peindre.  Elle peint les murs, les fenêtres, la façade de la petite maison. Des cartes de voeux, des petits tableaux sur des supports divers. Elle peint beaucoup en hiver et dès la belle saison elle accompagne Everett dans sa tournée en proposant à vendre ces cartes. 

Puis elle commence à vendre directement ses œuvres.  Au cours des années 1940, elle travaille à la fois sur les cartes et les tableaux, et prend également des commandes, comme une série de volets qu’elle peint pour une famille américaine ayant une maison de vacances dans la région. Everett s'occupe de lui trouver le matériel qu'il lui faut, de la vente.  La notoriété de Maud devient de plus en plus grande.  

Sa popularité croissante lui permet d'augmenter ses prix, mais de façon dérisoire, d'autant plus que son arthrite lui cause des douleurs constantes, qui sont exacerbées par les conditions restreintes dans lesquelles elle travaille, recroquevillée au-dessus d’une petite table alors qu’elle crée tableau après tableau.  Malgré son état de santé, la précarité, les oeuvres de Maud sont pleines de lumières, de couleurs étincelantes et de joie. Grâce à l'essor touristique après-guerre, la petite maison devient le lieu que l'on vient visiter. Le couple ne fait aucune promotion, c'est le bouche à oreille  qui fait vite la réputation du talent de Maud.  Mais lorsqu'une  journaliste indépendante de Halifax, Cora Greenaway, s'intéresse à l'artiste, on assiste à une véritable ruée sur les oeuvres de Maud.

Terrible paradoxe Maud meurt en 1970 dans la pauvreté en jouissant pourtant d’une renommée nationale. Ses oeuvres continuent de susciter de l'intérêt. De nombreuses sérigraphies ont été tirées des tableaux de Maud Lewis.  La diffusion à plus grande échelle que des amis bienfaiteurs et des galeristes ont envisagée s’est heurtée à l’insistance de Maud et Everett à maintenir de bas prix pour les œuvres. 

Aujourd'hui la maison de Maud et Everett, qui du temps du couple, n’a jamais eu d’eau courante ni d’électricité  remise en état, a été au musée des beaux-arts de la Nouvelle-Écosse, où elle fait partie de l'exposition permanente Maud Lewis. A sa place se trouve un mémorial une sculpture en acier représentant la maison, conçue par l'architecte Brian MacKay-Lyons.

Ce n'est pas un art que j'apprécie habituellement mais j'ai découvert cette artiste dans un film : Maudie qui retrace sa vie. J'ai été infiniment touchée tant par l'histoire que par la personnalité de l'artiste  Du coup je vois les oeuvres de Maud Lewis a travers les yeux du coeur. Et elles sont magnifiques 

Une petite vidéo où l'on voit Maud, Everett, leur maison au bord de la route et quelques oeuvres 

https://www.youtube.com/watch?v=AVNnEoGBcio

Eric Paré est propriétaire d'un studio de 176 caméras à Montréal où il crée des visuels avec son équipe. Son travail consiste principalement en de courtes expositions de peinture lumineuse, soit à l'extérieur dans des lieux de rêve, soit en studio à l'aide de ses installations multi-caméras.

"Je joue avec la lumière, l'espace et le temps grâce à des techniques de peinture lumineuse, de bullet-time et de stop-motion pour créer une signature photographique animée unique. Tout ce que je fais est éclairé à la main, une image à la fois."  

Le bullet time est un effet visuel au cinéma ou dans une œuvre audiovisuelle, obtenu grâce non pas à une caméra, mais à une batterie d'appareils photo

L'artiste visuel Eric Paré s'est construit un style de vie en combinant sa passion pour la photographie, les voyages et le light-painting (technique qui permet de fixer la lumière dans un état temporel et d’espace.).

Parcourant le monde, il mélange le light-painting et la photographie de paysage dans des lieux incroyables, partageant en chemin la moindre astuce sur les techniques.

Lorsqu'il n'est pas sur la route, vous pouvez le trouver en train de faire de la photographie en studio à Montréal où il fait du light-painting  sur un réseau complet de caméras à 360 degrés.

Mélanger la photographie en studio et en plein air lui permet de continuer à repousser ses limites tout en gardant l'équilibre entre ces deux aspects complémentaires de son art.

Au cours des dernières années, lui et sa partenaire créative Kim Henry ont perfectionné la technique du tube light-painting et l'ont rendue largement accessible aux débutants, tout en ajoutant constamment de nouvelles astuces pour créer des visuels variés. En utilisant un seul tube, une lampe de poche et une plume, il montre que la simplicité est souvent la clé, et il continue à rassembler les gens au sein de la tribu des tubes.

Tout en menant une vie de rêve en voyageant avec les tubes, Eric Paré a réussi à créer une communauté d'apprentissage de vingt mille membres, tous liés à sa technique de peinture lumineuse, tout en développant son entreprise de photographie bullet-time à 360 degrés. Son travail a été présenté sur CNN, MTV, BBC, Vice, TEDx, et il a récemment travaillé sur des campagnes à grande échelle avec des grands groupes, de grandes marques ou des occasions particulières.

Pour en voir plus le site de l'artiste 

https://ericpare.com

Will Kurtz est né à Flint, dans le Michigan, et a obtenu sa licence d'architecture paysagère à l'université d'État du Michigan en 1981.

Il a exercé le métier d'architecte paysagiste pendant 25 ans, à travers les États-Unis et le Canada. Ce n'est qu'au milieu de la trentaine qu'il a commencé à créer des œuvres d'art en tant qu'artiste autodidacte.

Finalement, sa passion pour l'art a pris le pas sur l'architecture paysagère et il s'est installé à New York à l'âge de 50 ans pour suivre des études supérieures à la New York Academy of Art. Après avoir obtenu une maîtrise en beaux-arts, il a été sélectionné pour rester et effectuer un stage d'un an.

Depuis, il a participé à plusieurs expositions individuelles et collectives où ses sculptures à échelle réelle d'animaux et de personnages réalisé en papier mâché sont exposées de telle façon que le spectateur est invité à circuler entre elles.

Will Kurtz est actuellement représenté par la Kim Foster Gallery, à New York, l'Avant Gallery, à Miami, la Galerie Sebastien Adrien, à Paris, et la Galerie Van Campen & Rochtus, à Anvers, en Belgique. Ses œuvres font partie de nombreuses collections importantes dans le monde entier. Il travaille dans le Queens et vit à New York.

Pour en voir plus, le site de l'artiste  

http://www.willkurtz.com